工業化時代到來造就了音樂發展的多樣性

　　二十世紀音樂，繼承了歐洲古典音樂帶來的音樂紀元，這個世紀沒有一種統一性的風格，作曲家們創造出各種各樣的音樂。現代主義、印象主義和后浪漫主義等音樂都可以追溯到世紀之交之前的幾十年，但它們之所以能被包括在內，是因為它們跨越了19世紀、比共曉時期風格的音樂更進一步。

　　▲羅伯特.舒曼（robert schumann，1810年6月8日—1856年7月29日）

　　一：極簡主義（Minimalism）

　　簡約音樂（Minimal music）于1960年代興起。回溯到19世紀的舒曼的創作中也包含了這個元素，而“簡約”第一次被用來形容音樂則出現在1968年，邁克爾·尼曼（Michael Nyman）給科內利烏斯·卡迪尤（Cornelius Cardew）的作品《The Great Digest》所寫的評論之中。尼曼稍后在他1974年出版的書中《Experimental Music:Cage and Beyond》擴張了他對簡約音樂的定義。

　　▲邁克爾·尼曼與科內利烏斯·卡迪尤

　　另外，還有一名自我定位為簡約主義的音樂家湯姆·約翰遜（Tom Johnson），也宣稱是第一個使用“簡約”這個詞來形容音樂的人，他于1989年在《Village Voice》中這樣描述簡約音樂：“簡約主義的概念比許多人想像的都還大的多。在定義上，它包括了任何使用極少或有限制的材料而寫成的音樂：只使用了極少量的音符、極少量的文字、或只為少數樂器所寫的音樂。”

　　▲湯姆·約翰遜

　　許多人（尤其是流行樂迷）發現簡約音樂比所謂的十二音列音樂或是現代樂派的古典樂還更容易理解。對另一些支持浪漫樂派或是更早音樂的人而言，認為簡約音樂令人煩躁，因為它的不斷重復性質、缺少復雜性、或缺少如程序音樂般的嚴謹，爭議不斷。

　　如今，極簡主義已成為一種國際現象，深刻影響了美國及其他地區新音樂的發展方向，導致極簡主義成為20世紀末至21世紀初的“通用音樂語言”。

　　▲大衛·鮑伊與馬克·博蘭

　　二：新浪漫主義(New Romantics)

　　受大衛·鮑伊（David Bowie）、馬克·博蘭（Marc Bolan）和羅克西音樂組合（Roxy Music）的影響，新浪漫主義者的發展靈感，是來自于搖滾樂時代，加上18世紀末和19世紀初的早期浪漫主義時期，增添了一些復古的元素。新浪漫主義迅速席卷整個西方世界。在此次風潮下，對當代音樂界產生的意識形態上的影響也不容小覷。

　　▲羅克西音樂組合

　　眾所周知，“新浪漫主義”這個詞是由音樂家、制作人、經理和創新者理查德·詹姆斯·伯吉斯（Richard James Burgess）創造的。在接受《電力俱樂部》采訪時，伯吉斯在回答一個關于創造“新浪漫主義”這個詞的問題時說：“最初我用的是三個詞——未來主義者（Futurist）、電子舞曲（Electronic Dance Music）和新浪漫主義。“

　　▲羅克西音樂組合

　　雖然這是一場時尚運動，20世紀70年代末和80年代初的幾部英國音樂作品卻都采用了這種風格，并在媒體中成為了它的縮影，其中包括史蒂夫·斯蘭奇（Steve Strange）、杜蘭·杜蘭（Duran Duran）、斯潘道芭蕾舞團（Spandau Ballet）、新古典音樂（Classix Nouveaux）、喬治男孩（Boy George of Culture Club）等。

　　在20世紀80年代早期，這些樂隊中的一些開始流行采用合成器，這與獨特的新浪漫主義視覺效果相結合，幫助他們首先在英國獲得了全國性的成功，然后通過音樂頻道MTV發揮了重要作用——英國入侵美國樂壇。

　　到1981年底，最初的運動已經基本消失了。盡管一些與現場有關的藝術家繼續他們的職業生涯，但他們基本上放棄了運動的美學。

　　▲岡瑟·舒勒

　　三：第三潮流（Third stream music）

　　第三潮流是爵士樂和古典音樂的合體。這個詞是1957年作曲家岡瑟·舒勒（Gunther Schuller）在布蘭代斯大學（Brandeis University）的一次演講中創造的。即興創作通常被視為第三潮流的重要組成部分。

　　舒勒帶領一批音樂家錄制了專輯《Music for Brass》（1957年）和《Modern Jazz Concert》（1958年），后來被收錄在一張專輯《第三潮流的誕生》。首創是由舒勒、約翰遜（J.J.Johnson）、劉易斯（John Lewis）和吉米·吉烏夫（Jimmy Giuffre）合作的作品。

　　第二張專輯結合了爵士樂和古典音樂家與舒勒，朱弗雷（Giuffre）、喬治·羅素（George Russell）、查爾斯·明格斯（Charles Mingus）、哈羅德·夏皮羅（Harold Shapero）、和米爾頓·巴比特（Milton Babbitt），統一成一種作品。這種音樂在1957年的布蘭代斯藝術節（Brandeis Festival of the Arts）上首次演出，并激發了舒勒關于“新合成”（a new synthesis）的評論。

　　▲米爾頓·巴比特（Milton Babbitt，1916年5月10日生于費城）

　　拼貼音樂（Sound collage）

　　拼貼音樂，顧名思義就是通過幾種不同的樂曲拼接而成。在音樂作品中引用材料的時空跨度、使用的頻度和材料間的對比等方面達到前所未有的程度。例如給予一定的作曲模式，拼貼進格里哥利圣詠、巴赫的賦格和當代爵士等時空跨度極大的音樂材料，通過解構和重組對傳統音樂進行新的解釋，建立新的意義。

　　拼貼音樂的起源可以追溯到奧地利作曲家比貝爾（Heinrich Ignaz Franz Biber）的綱領性奏鳴曲《巴塔利亞》（Battalia）（1673）和莫扎特的《唐·喬瓦尼》（1789）的作品。

　　一些評論家將馬勒交響曲中的某些段落描述為拼貼，但最早完全發展起來拼接音樂的是查爾斯·艾夫斯（Charles Ives）的一些作品中，他的作品《黑暗中的中央公園》創作于1906年，通過將幾個不同的旋律和語錄疊加在一起，創造出一種在城市中漫步的感覺。因此，拼貼在音樂中的使用實際上早于畢加索（Picasso）和布拉克（Braque）等藝術家在繪畫中的使用，他們通常被認為是1912年左右創作了第一幅拼貼畫。

　　▲喬治·羅奇伯格

　　今天，拼貼音樂可以被認為是一種流蘇的后現代主義和一種數字藝術形式的體現。喬治·羅奇伯格（George Rochberg）是一位著名的藝術家，他在作品中運用了拼貼技術，包括了《反死亡與節奏》（Contra Mortem et Tempus）和《第三交響曲》。

　　20世紀的經濟和社會型態對音樂有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌，造就了音樂發展的多樣性。

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