現場古典音樂表演聆聽規范的歷史演變

　　欣賞現場古典音樂表演時，往往有以下約定俗成的規矩：手機調成靜音，安靜就座，保持肅靜，全神貫注地聆聽，等一首作品表演完畢才鼓掌……然而，這些看似正確的欣賞古典音樂表演的方式只是現代社會的獨有現象，在這些音樂作品誕生的那個年代，欣賞方式并非如此。

　　古典音樂有著悠久的宗教傳統。在很長一段時間里，歐洲音樂的發展都是由以教會為核心的宗教音樂主導。從教皇格里高利一世（590年—604年在位）開始直至巴洛克時期（17—18世紀），歐洲的主流音樂表演便與教會密不可分。雖然歐洲最早的歌劇院于17世紀初已經開始營業，但是當時的作曲家仍然主要透過為教會創作宗教音樂謀生。這些音樂是教會儀式中敬拜、頌贊上帝的途徑，需要會眾參與其中。以巴赫為例，在他創作的眾多作品中，受難曲、清唱劇等樂種都是為德國路德教派的教會儀式而作的功能性音樂，兩首受難曲《圣約翰受難曲》和《圣馬太受難曲》是在耶穌受難日表演的曲目，《圣誕節清唱劇》是在耶穌誕生日（圣誕日）表演的作品，而其他的清唱劇則多數在平時的周日聚會中表演。這些曲目中的頌贊歌在當時一般會由表演者和會眾一同大合唱：當音樂表演到頌贊歌的部分時，會眾會全體起立，一同唱四個聲部中最高聲部的旋律。巴赫生前創作過400多首頌贊歌或包含頌贊歌的合唱作品，數量如此龐大主要是因為這些作品大多在表演數次之后就不會再被公開演出。而且大部分這些作品都在巴赫逝世之后才得以出版，證明這些作品的社會功能性及時代性甚強，在當時并不是作為一種不朽的藝術供人欣賞。而在那個年代，歐洲各個國家幾乎每一座主要城市的教堂都有一位駐堂音樂家，履行同樣的職責。可能巴赫自己也萬萬想不到自己的作品會流芳百世，到現在還有人在音樂廳里以藝術音樂的形式安靜、專注地欣賞。

　　總而言之，巴洛克時期的宗教音樂大部分都是在教會禮儀中使用的音樂，需要會眾一同參與，從而達到敬拜、頌贊的功能；并非如現代的巴赫音樂表演一樣，在音樂廳中進行，觀眾保持肅靜，專注地、被動地欣賞。而那個時期的世俗音樂就更是一種功能性音樂，獨奏的作品很多都是為了在日常生活中抒發個人情感，為娛樂活動增添氣氛，或者作為教學之用；合奏的作品以宮廷或貴族的茶余飯后余慶節目或重要節慶日子的背景音樂為主，有時也會用作舞蹈的伴奏，亨德爾的《水上音樂》或《皇家煙火音樂》便是此類作品的典型例子。這種傳統一直延續至古典時期（18世紀中葉至19世紀初）。海頓就曾經為匈牙利最富有、最有影響力的世家埃施特哈齊家族工作長達40多年之久。同時，在古典時期，面向公眾的音樂會開始興起，自由音樂家也開始出現。

　　18世紀末19世紀初的法國大革命和工業時代將公眾音樂會推向了高峰。交通的便利及鋼琴樂器的改良也造就了一批音樂明星。在那個時期，德國、法國和奧地利的歌劇院每個樂季都會聘請當時著名的作曲家創作新的歌劇以拓展市場。歐洲各大城市的音樂廳也爭相籌辦大眾化的音樂會，邀請當時顯赫的演奏家演出，吸引觀眾購買門票進場欣賞。雖然當時的音樂會在形式上已經較接近現代，但是聽眾欣賞音樂的方式仍然與今天的音樂會慣例大相徑庭。最不同的是當時音樂會中表演者和觀眾會頻繁互動，互動環節在19世紀30年代興起的鋼琴獨奏會上尤其流行。李斯特1839年在意大利的獨奏會上彈奏了數首自己創作或改編的作品，而音樂會最后還有一個即興改編由觀眾指定旋律的環節，這也是整晚音樂會的高潮。這個環節在當時可以說是鋼琴獨奏會的必備環節，門德爾松書信中的一段話反映了當時這種表演慣例如何風靡歐洲。他在1836年12月3日萊比錫布商大廈的樂季開幕音樂會上應觀眾要求即興彈奏了貝多芬的《費德里奧》選段。根據文獻記載，雖然門德爾松的即興演奏獲得了觀眾的一致贊賞，但他對此慣例似乎頗有微詞。他在給父親的信中曾經寫道：“音樂會的上半場最后一首作品是我的《g小調鋼琴協奏曲》，而在下半場的最后我就很不幸地需要即興彈奏。坦白講，我并不喜歡這種演奏方式，但是這里的觀眾非要不可。”這段歷史記載充分反映了當時歐洲主流觀眾對于在音樂會上要求表演者即興演奏的狂熱程度。在李斯特的鋼琴獨奏會開始之前，音樂廳的入口會擺放一個類似投票箱的盒子，觀眾可以把希望演奏家即興彈奏的旋律或歌名寫在紙上并投放到盒子里，以供李斯特在音樂會上即興改編彈奏。如果觀眾不能夠以五線譜記錄希望演奏家即興彈奏的旋律，或不知道歌名，還可以以吹口哨的形式把旋律傳達到臺上，讓演奏家即興彈奏。

　　在19世紀的音樂會中，觀眾的參與不僅在作品與作品之間，而很多時候也會在一首作品表演的期間：當演奏家在臺上演出時，觀眾會同時在臺下鼓掌和歡呼，以示欣賞。一幅由19世紀畫家霍斯曼所畫的圖畫生動記錄了李斯特音樂會上觀眾的行為舉止。據說，該畫描繪的是李斯特于1842年在柏林舉行的一場獨奏音樂會。畫中可見，李斯特長發飄飄、玉樹臨風，坐在三角鋼琴前打開樂譜演奏。而臺下的觀眾以年輕高貴的女性為主，各人情緒高漲：有的熱烈鼓掌，有的豪情暢飲，有的向李斯特飛吻，有的向臺上拋擲花環，還有一些拿著望遠鏡仔細觀察他的英姿與俊貌，所有人都顯得如癡如醉。李斯特似乎也享受著觀眾的熱情，予以回應：他一只手在琴鍵上飛舞，另一只手輕輕舉起向臺下的觀眾揮手，氣場十足，不遜當今的好萊塢明星，氣氛絕不亞于現代的搖滾音樂會。當然，此畫中的情景可能會有少許夸張的成分，而且也不是每一位19世紀的演奏家都能夠在音樂會上享受李斯特般的偶像待遇。但至少有一點可以肯定，現代的古典音樂會的欣賞方式“沉默安靜、結束鼓掌”在19世紀是不可思議的。根據歷史記載，甚至有19世紀的觀眾抱怨表演者演奏的音量太大以致他們難以聊天。從另一幅歷史圖畫中我們可推測，這種自由隨意的欣賞方式至少一直延續到19世紀末。一幅現存于英國倫敦皇家歌劇院的油畫展示了1893年11月25日倫敦女王音樂廳開幕音樂會的盛況：指揮和管弦樂團都在臺上全情投入地表演，而臺下前排的觀眾卻在交頭接耳、高談淺笑，后排的觀眾并沒有座位，站立或走動著欣賞演出。當天的曲目包括門德爾松、柴可夫斯基、薩利文、古諾等19世紀作曲家的作品，可見當年欣賞古典音樂的方式與我們現在所習慣的有很大差距。

　　20世紀的錄音技術為音樂尤其是古典音樂的欣賞方式帶來了翻天覆地的變化。透過錄音，古典音樂的聆聽者可以在絕對安靜、毫無外界干擾的情況下專注地、一氣呵成地欣賞音樂“表演”。有一些當代的音樂家認為，錄音是一個完美的“演出”，現場的表演應該仿效錄音的效果。在古典音樂現場表演期間，任何弱化這種效果的因素都被視作對音樂表演的不尊重。傳奇鋼琴家古爾德就曾經表示，音樂的傳遞不需要現場觀眾的存在，透過錄音技術完全可以達到，而音樂廳中的觀眾只會是音樂傳遞的破壞者，削弱音樂的魅力。古爾德在演奏事業如日中天之際決定完全放棄現場演出，成為了一位“錄音鋼琴家”，追求著那種纖塵不染的純粹音樂表演。而他的表演理念至今仍然受到廣泛的推崇。

　　在高雅音樂與通俗音樂于20世紀初分道揚鑣之后，在錄音行業蓬勃發展之時，那些被指是削弱音樂魅力的表演者與觀眾之間的自由互動，逐漸消失于古典音樂的現場表演之中，變成了通俗音樂的表演特征。這也促成了今天對于古典音樂的所謂“正確”欣賞方式。

　　（作者單位：西南大學音樂學院）

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